dime lo que ves

rock sixties. guitarrero. alejandro Susti ha absorvido aquel espíritu visceral. sus fraseos hacen recordar momentos inspirados de Spinetta. la voz de Susti enrojece las palabras. robusteciéndolas con quiebres y modulaciones afiladas. puedo imaginar una sala de ensayo sudorosa y unos humosos shows barranquinos. el inicio potente de «Calle Negra» ataca con luces tenues y aguerridas. susti tiene el deseo de hacer viajar a sus canciones. los temas rehuyen la rectitud y devienen en parajes lentos. sensualidad sonorística. horizontes picando lo esquizo. sin embargo, el caos se puede ver más en el diseño del booklet y la descentrada disposición tipográfica de las letras. porque Kaoscopio no es un disco caótico ni una radiografía del caos. en todo caso es un círculo de colores girando… una canción más propia es «Vacas Sagradas«. los efectos de la guitarra animalizan bien el tema. otro bueno es «Angel«, pero su intro se muestra demasiado convencional. esa progresión la he escuchado ayer, hoy, antes de ayer, etc. los primeros 50 segundos de «Lobo Feroz» podrían ser bien empleados en narraciones de cuentos o performances. ya luego la canción devienen en pinceladas funky. el tema sabrosón es «Calibre 38«. de interesante historia. mi honestidad me dice que «Miedo» obedece a fórmulas muy cuadriculadas. nulo. además su cortedad fácilmente pudo permitirle ser extirpada del álbum. las zonas instrumentales de «Huecos«, combinaciones entre batería y guitarras, son destacables. un certero cierre de Kaoscopio pudo haber sido «Religión«. hubiera redondeado la fuerza del disco. y ya luego como track invisible, con los clásicos segundo en blanco, vendría «Confianza«. con letra del cholo César Vallejo. una interpretación personal de un poema. minimalista. extensiva. de dulce severidad. y quizá aleccionadora. oyente, ¿estarás presto a aprender?… si es así puedes ir este 2 de Noviembre al Centro Cultural de España. encontrarás una bonita sorpresa. la noche se hará sonido. y ojalá música.

and i am alive i am alive i wanna grow

la música, para nuestra suerte, siempre va a estar ahí. y sus buenos discos nos irán llegando… toparse con Richard Ashcroft es una buena experiencia. el inicio orquestal, de breve percusión sabrosa en «A Song for the Lovers«, es la excelente bienvenida del Alone with Everybody. la mayoría de veces, la voz de Ashcroft se mueve sobre una nebulosa instrumental muy bien texturada. hay que elogiar el trabajo de producción en estas canciones. en Alone with Everybody se escucha a un Ashcroft inteligente y de una visión clara de lo que desea. impacta el cómo puede ampliar su sonido. es un sujeto que quiere trabajar con la música. me gusta la placidez que contagia. y sus letras personales. no ha hecho un disco que nos apresure, sino uno que, sutilmente, nos va moviendo lento… una buen conjunción entre backgrounds orquestales y eléctricos, casi cósmicos, se puede disfrutar en «Brave New World«. la voz de Ashcroft no se enfrasca orgullosamente. es una voz cumplidora. y cumple muy muy bien. hay un buen devaneo sonoro en «New York«. la trompeta suena extraña, inquieta e hipnótica. los matices más heartbreaking están en «You on My Mind in My Sleep«. tiene un middle de aguerridas guitarras espaciales con violines delicados. el flaco Aschcroft no desperdicia segundos. ni uno solo. ya me volví fan, qué voy a hacer. aunque podría decirle que pecó un poquito de predicador en «Crazy World«. si te gustaba «Lucky Man» del buenísimo Urban Hymns, te va a gustar «On a Beach«. calmada. solar. y de voces circulares. dan ganas de palmear en «Money to Burn«. irradia buena vibra. también está la optimista «C’mon People (We’re Making It Now)«. el disco termina con «Everybody«. pensativa. y climática… Ashcroft se despide bien. el carro rojo nos aleja poco a poco. no hay muchos autos. pero atrás ese flaquito se sube el cierre hasta el cuello. da la vuelta y camina quién sabe a dónde. (respuesta: su camino es el correcto).

my head is full of flames

hubo en Elliott Smith un tono personal. y el recuerdo de verlo tocar con sus ojos cerrados y la boca pegada al micrófono. parpadeando de vez en cuando, para notar qué tan bien lo estaba haciendo ante su audiencia. aún me sorprende escuchar esa voz delgada en sus discos, y luego toparme con sus fotos de manganzón con rostro desabrido. pero lo que vale es su personalidad y talento encendidos en sus mejores canciones. así suenen trágicas o alegres… su primer ejercicio solista fue Roman Candle. aquí vemos a un Elliott familiarizándose con temas tranquis. hay una instrumentación mínima. atravesada por un registro lo-fi. pero la voz ha ganado textura con un efecto que le da una sombrita resonante… el primer zarpazo es «Roman Candle«. un ajuste de cuentas por su tono y letra dura. asentado con un severo rasgueo. en «Condor Ave.» hay una buena canción. pero se percibe muy narrativa. y no hay una suficiente inyección dramática. lo mejor está en «No Name #1«. ese intro poco a poco se fue haciendo conocido y aplaudido por los fans. bonita canción. los primeros toques luminosos de Elliott. otro hit es «No Name #2«. de filiación folk, por su acompañamiento arpegiado (sutil y trabajado) y la inclusión de una armónica. dylan podría echarle una palmada. con pocos elementos, buenos temas. así suena «No Name #3«. susurrante. el toque de la guitarra en el middle es simple y conmovedor. una canción para un primer beso. al escuchar «Drive All Over Town» se ven, nuevamente, muchas palabras, y podría tornarse aburrida. el tema más movido es «No Name #4«. el hecho de haya varios temas intitulados se debe a que tal vez fueron composiciones que aún no habían llegado a obtener su nombre propio. en Roman Candle, Elliott recogió un momento. funciona como documento y fotografía de un inicial relámpago. que acabaría con «Last Call«. tema que pasa por varias estaciones. algunas lánguidas, otras densas y otras serias. pero el final elegido es «Kiwi Maddog 20/20«. rarísima. un instrumental curioso. guitarrero entre lo Beatle y lo progresivo. pudo funcionar mejor en el medio, Elliott, mas hay que recordar que, bueno, por aquellos días, grababas tus canciones emocionado.

i’m the volume in your fucked up teenage band

cómo le gusta la distorsion a Mike Ness. cómo le gusta el rock ‘n’ roll y el bend up sobre las cuerdas. su música es una mueca disgustada, pero simpática. sus discos son unos dientes que se van apretando conforme avanzan las canciones. la bota fangosa de Mike Ness deja su impronta. escuchemos su voz rasposa y corpórea. podrá decir convencionalismos, o cosas simples o discursos clichés, pero su poder de convencimiento es tremendo. dan ganas de cantar lo que él dice, y debe ser por cómo lo dice. un álbum como Sex, Love and Rock ‘n’ Roll inyecta la afición por el buen rock punkie sudoroso. es la sincera alabanza a la magia guitarrera. la portada dice bastante. hay que prenderle otra velita a esa arma. la Gibson que te está esperando. y ese micrófono te está llamando. sácalos de ahi, Mike, llevalos al sótano y sácales canciones… el inicio excelente de «Reach for the Sky» es solo el inicio. los demonios están saliendo. me gusta más «Highway 101«. con su rasgueo entrecortado y punteo de diapasón empinado. el anhelo y la confesión están en «Don’t Take Me for Granted«. los coros de este disco ya se van haciendo inolvidables. muy efectivos con sus rockerísimo hooks. nos calmamos un poco con «Footprints on my Ceiling«. pero el sonido nunca será delicado ni regalón. la equalización ayuda bastante. los instrumentos no están alejados de la voz. siempre se suena agresivo y ruidoso… es claro que Sex, Love and Rock ‘n’ Roll no está inventado nada en melodías, pero tampoco es una aplicación de formulas mañosas, sino que es una revisión energética del talento de Mike Ness. este gringo vino al planeta con sonido propio. y «Faithless» es justamente Social Distortion en todos sus rangos. me parecía que el inicio de «Angel’s Wings» podía sonar mejor con acústica y ya luego entraba la banda. curiosamente hay un bonus track de esta canción completamente acústica. y es un buen final… sé que a estas alturas Mike está compitiendo con los gatos. debes cuidarte, compadre, somos mortales… también sé que si alguien escucha por primera vez Social Distortion, Sex, Love and Rock ‘n’ Roll le va a parecer un discazo. y si para alguien es el último disco que escucha de Social Distortion, también le va a parecer un discazo. y eso es: un discazo.

everyday is like monday

lunes. habiendo admirado días antes, en las vitrinas de Galerías Brasil, las nuevas ediciones de Soda Stéreo, llego ese lunes, diáfano, decidido y solvente para apropiarme de una copia del Dynamo. luego de revisarlo lentamente, y ansioso por sacarle la empaquetadura, cancelo y espero mi vuelto. finally, el Dynamo. mi pequeña gran emoción. los discos originales son un lujo. lima acusa la originalidad como un lujo. el booklet es una belleza. y el sonido, re-óptimo, apropiándome de un lenguaje rioplatense. el señor de la tienda, el popular Che, me dice que está viajando esta noche a Argentina y que traerá más discos. la colección Me Verás Volver 2007, acompaña la avasalladora gira del reencuentro. ojalá en Diciembre las vibraciones sean intensas en el gramado de nuestro horrendo Estadio Nacional… el popular Darkest, mi vecino Marco, me encuentra en el puesto del pequeño Juan, el Rata Discos. darkest me dice que ha traido su polo para que se lo firmen los Napalm Death. este lunes hay una mesa cerca de la escalera de Galerías Brasil. ahí se sentarán cuatro hombres gruesos. y recibirán el afecto de su público metal. le digo a Darkest que mejor nos firmen unos flyers. me responde que los productores no han hecho flyers. entonces busquemos unos afiches, Darkest, en la calle podemos encontrar algunos, los pegan cerca de acá, acuérdate, no nos cuesta nada buscarlos, Darkest, hazme caso. afuera, en la avenida Brasil, un muchacho tiene una bandera peruana sobre la que ha escrito Napalm Death. una sola persona esperando. con la bandera de todos. cruzando la avenida, caminando media cuadrita, hay una pared tapizada de música. tres afiches de Napalm Death. las llaves puntiagudas no son buenas tijeras. el pequeño Juan, el Rata Discos, tiene una cuchilla. regresar corriendo para que nos la preste. afuera sigue el muchacho con la bandera de todos. a cortar y podar los afiches. tras estos metaleros, Pierina Less, tras ella una banda nuevaolera, tras ellos, unos punkies limeños. debajo de un rostro existe una multiplicidad de sonidos… polos negros que han aumentado. a la orden de hacer cola a la derecha, los muchachos hacemos caso. tranquilo, Darkest, solo hay que esperar, ellos ya están en la mesa y esta fila es un pequeño tranvía de discos, posters y cámaras. coloco mi afiche sobre la mesa. hello, hi, how are you? hi. ustedes son lo máximo. la mano que pulsa el plumón y da el handshake ha creado emociones y recuerdos… el tranvía sigue avanzando ordenado. es fiel y se va alegre. afuera, la noche es fría, jesusmariana, pero sonriente. nos verá volver, con seguridad.

cementerio club responde

siempre se les ha asociado con los Beatles, ¿es una imagen que ustedes mismos se han formado o que los oyentes han formado de ustedes?

José: “EN PARTE SÍ. INTERNAMENTE PARTE DE LA BANDA (PEDRO Y YO PARA SER DIRECTOS) FORMAMOS ESA IMAGEN. Y LA PLASMAMOS MUSICALMENTE CON LA VENIA Y APORTE DE LOS OTROS MIEMBROS. JUNTO A OTRAS INFLUENCIAS. EL RESTO FUE UNA OBVIA CONSECUENCIA DE LA APRECIACIÓN LOS OYENTES QUE EN OCASIONES REDUCEN NUESTRA IMAGEN MUSICAL A SOLO ESE PARTICULAR PERO NO ÚNICO RASGO”.

Pollo: “creo que una vez conocida la beatlemania de José y Pedro, la prensa, la gente y el resto de bandas crearon esta asociación con los fab four. que a veces jode porque limita el entendimiento de nuestra música. hay gente que solo busca el parecido a ellos y nada más… se pierden el resto de nuestra propuesta”.

¿cuáles son las primeras imágenes que tienen del rock?

José: “VER Y ESCUCHAR A LA BANDA DE MI COLEGIO ENSAYAR EN UN CUARTO AMPLIO DE MÚSICA. CON LAS GUITARRAS. SIN CAMISAS. Y FUMANDO EN PLENO DÍA DE CLASES. Y CON LAS CHICAS TRATANDO DE VER POR LAS VENTANAS”.

Pollo: “recuerdo un programa musical del canal 4 que pasó el primer concierto de los Stones con el guitarrista sucesor de Brian Jones (no me acuerdo su nombre). y obviamente «A Hard Day’s Night». 2 imágenes opuestas del rock pero que me cautivaron instantáneamente».

¿qué tan importante fue ganar el premio MTV?

José: “EL PREMIO FUE COMO UNA DIPLOMA. TIENE SU ENCANTO EN UN MOMENTO. COMO RECORDATORIO DE UN RECONOCIMIENTO MÁS PERSONAL QUE PÚBLICO. Y HASTA AHÍ ES SUFICIENTE. LOS PREMIOS SON CONSECUENCIAS COYUNTURALES QUE APUNTALAN DETERMINADA INICIATIVA EN DETERMINADO CONTEXTO”.

Pollo: “un premio no te hace mejor ni peor. pero durante un tiempo nos dio una cobertura y un espacio que merecíamos y no teníamos. además, en el plano material, nos dio contratos y por primera vez en años de trabajo pudimos ver algo de dinero en nuestros bolsillos”.

lorenzo helguero responde

 

¿podrías asociar canciones con escenas de tu vida?

«no sé. tal vez alguna canción de Silvio Rodríguez con una mujer, eso sí. o más bien puedo asociarla con etapas de mi vida. cuando estaba en el colegio escuchaba Hombres G, El Tri. me trae recuerdos. y ahora no siento mucho esa necesidad de buscar nueva música. pero lo que sí me parece importante de la música es en lo que yo escribo, buscando cierta musicalidad en la poesía. la musicalidad en un poema es importante. uno siempre busca ese ritmo o armonía dentro del poema».

¿tocas algun instrumento?

«de niño quería ser violinista. empecé a tocar flauta dulce, para saber cómo leer las notas y luego entrar al violín. ahí, mi mamá me dijo te lo compro pero si en verdad quieres tocar. entonces en vista de tal presión dije que no. y así se frustró mi carrera de violinista. no quería tener esa responsabilidad. luego traté de aprender a tocar piano, pero no pude por la posición de las notas en clave de Fa. estando en la universidad quise aprender a tocar guitarra. pero me frustré cuando llegué al puente, sonaba horrible. una vez hice una canción con las cuatro notas que sabía, todo un mamarracho. aunque sí me hubiese gustado escribir letras y hacer la música».

¿qué te pareció el proyecto de Watanabe y Rafo Ráez, Pez de Fango? donde el poeta escribió letras para canciones, o el compositor toma poemas para musicalizarlos.

«no lo he escuchado… en verdad esos proyectos no me parecen nada malos. hay gente que no le gustaba que Serrat musicalizara los poemas de Machado, pero a mí me parece completamente válido. es la manera en cómo la poesía puede llegar a otro público».